Pensante Parlante: RECORRIDO POR EL CINE

HISTORIA

El cine tiene su génesis a partir de la invención de los llamados 'juguetes ópticos', que tuvieron a su vez un referente directo en las sombras chinescas, el teatro, la fotografía e indirectamente en el desarrollo de la astronomía. Este desarrollo llevó a una necesidad por representar la realidad a partir de la llamada 'descomposición de las imágenes', donde el aparato cinematográfico, tanto de Edison y W.K.L. Dickinson o de los hermanos Louis Jean y Auguste Marie Louis Lumíere, justificaron un modo de 'representación institucional (MR) [1] frente al naturalismo presentado por la fotografía y la pintura de una “ intelligentsia” europea, grande y pequeña que reivindicaba un modo de expresión en aras de lo real que tenía que estar dotado de color, de sonido y palabras, de relieve de la extensión del espacio ( “Todo se mueve, rebosa de vitalidad y cuando se acerca al borde de la pantalla se desvanece tras ella, no se sabe donde “)[2].

Hermanos Lumiere

Oficialmente se considera que el cine nació el 28 de diciembre del año 1985, cuando los hermanos Lumière aprovecharon una sesión pública en el Salon Indien de París para mostrar a los espectadores sus películas. En el films titulado ‘La llegada de un tren a la estación de Ciotat’, las personas tuvieron gran sorpresa con el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla. El aparato con el cual lo consiguieron lo llamaron Cinematógrafo. Con estos acontecimientos había nacido la cinematografía. Pero el éxito inicial se fue apagando por el cansancio del público.

Escena de la película 'La llegada de un tren a la estación de Ciotat'

Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Posteriormente, hace su aparición Georges Méliès; quien con su magia e imaginación, logro salvar al cine de acabar como un invento más entre tantos de la prolífica época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. También es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes. Uno de los más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo. Otros eran la sobreimpresión de una imagen sobre otra, las dobles exposiciones o el uso de maquetas.

Inicialmente las películas eran mudas; razón por la cual al momento de rodarlas aparecían unos rótulos con diálogos que explicaban el desarrollo de la escena. Del mismo modo, en ocasiones, la presentación de los filmes eran sonorizados y ambientados por un instrumento musical en vivo (piano), lo que le dio estatus a esta práctica, que en el comienzo era presenciada por personas de los estratos sociales medio y bajo.

A principios del siglo XX, el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo.

En 1897, Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía española. En Francia, la llegada y la industrialización del cine se le deben a Charles Pathé. La producción de sus películas logró un buen nivel de calidad, gracias a la dirección de Ferninand de Zecca; a quien se le debe ‘La passion’ en 1902 y el ‘Asesinato del duque de Guisa en 1904.

“En la casa Pathé debutó uno de los primeros grandes cómicos, Max Linder, que inspiró a Chaplin. Seguidamente, al impulsor de la cinematografía francesa le aparece competencia, se trata de León Gaumont; que contrata al director Louis Feuillade quien se especializa en el género de terror.

En Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton, formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se interesan por los temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica.

Sin lugar a dudas, será los Estados Unidos quien obtendrá más beneficios del invento de los hermanos Lumières. En 1903, con la cinta ‘Asalto y robo de un tren’, el norteamericano Edwin Porter inaugura el cine del oeste[3]. “La cinta podría considerarse como la primera obra importante, con argumento de ficción, del cine americano. La película emplea de forma algo rudimentaria el montaje paralelo y aunque la acción suele transcurrir de cara al espectador, de la forma teatralizada que imponía Méliès, se observa un uso narrativo de la profundidad. Su última escena, un primer plano de un pistolero disparando sus armas hacia el espectador, causó una impresión parecida a la que pudo hacer en su día el tren de Auguste y Louis Lumières. La película fue un gran éxito. Aun así, el espacio donde Porter se mostraba más a gusto era el drama social, de forma similar a lo que hacía Ferdinand Zecca en Europa”.[4]

En Estados Unidos, también hace su aparición Thomas Alva Edison, un reconocido inventor americano que hizo grandes aportes al cine. En 1889 comercializa la película en celuloida de formato 35 mm, aunque no la pudo patentar porque un tiempo antes George Eastman ya lo había hecho; aunque sí pudo patentar las perforaciones laterales que tiene éste tipo de películas. En 1894, los quinetoscopios de Edison llegan poro vez primera a Europa; más concretamente a Francia. Dos años después presenta el vitascopio en Nueva york con la pretensión de reemplazar a los quinetoscopios y acercarse al cinematógrafo inventado por los hermanos Lumière.

Por último, en 1897 y hasta 1906, Thomas Alva Edison comenzará la llamada “Guerra de patentes” con los Auguste y Louis Lumière respecto al invento de la primera máquina del cine. La disputa no solo fue con los hermanos franceses, también contra los explotadores de aparatos cinematográficos, conllevando a una crisis para los “productores independientes, los cuales para huir del inventor –negociante, marcha a California, donde fundan Hollywood; donde se levantan las grandes productoras que harán la historia del cine norteamericano y las que hoy conocemos”[5].

Los italianos tampoco fueron indiferentes al fenómeno del séptimo arte. En 1913 se produce en ese país el film 'Cabiria' dirigido por Giovanni Pastrone. Actualmente, es uno de los más avanzados. Mientras tanto, en el mismo alo, estudios tempranos de la historia del cine mostrarían al estadounidense Davod Wark Griffith como 'El padre del cine moderno', partiendo de un artículo escrito por él mismo en un periódico, poco después de su salida de AM&B. En éste afirmaba ser el creador del lengaje cinematográfico, tales como el primer plano p el flashback. lLos primeros historiadores de cine, sin tener acceso a muchos filmes producidos antes del 1914, declararon a Griffith con ese calificativo.

“La importancia de Griffith como realizador fue su capacidad de utilizar y combinar aquellas técnicas. Tildar a Griffith como “El padre del cine moderno” es por esto, aplicable a la figura de este creador. Su imaginación y su gran destreza detrás de las cámaras lo hacen el director de cine más importante de esa época.”[6]

El trabajo realizado por Griffith inspiró en 1917 a los dirigentes de la revolución rusa para que el cine sirviera como vía de adoctrinamiento y propagandístico. A partir de ahí, se le otorga al cine un medio de comunicación masiva y que se podían mostrar los más profundos sentimientos y emociones del ser humano.

En Alemania, por su parte los estilos "expresionista" y kammerspiel sorprenden por sus productos ambientados en escenarios irreales o futuristas. Este cine aparecido después de la derrota de los alemanes en la Guerra Europea y el establecimiento de la humillante Paz de Versalles, refleja sus angustias y contradicciones. El país vive bajo la inestabilidad de la República de Weimar y de una gran crisis económica, situación de la cual se aprovecharán los nazis. El trabajo de la iluminación -llena de contrastes entre el claro-obscuro, la luz y la sombra- serán uno de los aspectos plásticos más innovadores.

Al contrario de los alemanes, los cineastas nórdicos huyen de los interiores angustiosos y hacen de los exteriores, del paisaje, el escenario natural para sus dramas. Se destacaron personajes como Sjöström, Stiller o Dreyer; éste último dirigió la obra maestra "La pasión de Juana de Arco" (1928).

En el caso de Francia, Louis Delluc fue el principal promotor del impresionismo cinematográfico galo. Por su parte, el estilo "surrealista" busca expresar el subconsciente de manera poética. A este cine vanguardista contribuyeron dos españoles importantes: el cineasta Luis Buñuel y el pintor Salvador Dalí.

El cine americano apuesta más por el beneficio material que por la estética o la poesía visual. Hollywood, se había convertido en poco tiempo el centro industrial cinematográfico más próspero de la nación. Grandes empresas se reunieron levantando sus estudios donde, además de filmarse las películas, se "construyen" las estrellas para interpretarlas.

Durante la Guerra Europea y aprovechando el descenso de producción en Europa por el mismo motivo, Hollywood se dedicó a dominar los mercados mundiales. La década de los años 20 fue la época dorada del cine mudo americano: espectáculo, grandes actores, diversidad de géneros... Entre éstos destacó el ‘slapstick’ o cine cómico: los pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes, las bañistas; invento de Mack Sennett que descubrió a Charles Chaplin, Lloyd, Turpin y Langdon.

De los grandes estudios salen grandes producciones, algunas de ellas muy espectaculares como las que hacía el director Cecil B. de Mille, "Los diez mandamientos" (1923) o "Rey de Reyes" (1927).

El 6 de octubre de 1927 sucede un hecho revolucionario para la historia del cine: comenzaba a hablar! "El cantor de jazz", de Alan Crosland, dejaba escuchar al actor Al Jolson cantando. Se iniciaba una nueva era para la industria del cine. También para los actores: muchos de ellos desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a la apariencia física. Los intertitulos desaparecieron. Los estudios tuvieron que replanteárselo a pesar de que hicieron importantes inversiones para reconvertirse en sonoros. Tmabién los técnicos y los cineastas cambiaron la forma de hacer y pensar el cine. Los actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente. En España, los primeros estudios sonoros, 'Los Orphea' fueron inaugurados en barcelona en el año 1932.

La implantación del cine sonoro coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una gran depresión en los EEUU. Miles de ciudadanos encontraban en el cine momentos para huir de los problemas cotidianos. Hollywood se dedicó a producir títulos basados en los géneros fantástico, la comedia, el musical o el cine negro, con el fin de exhibir productos escapistas.

Este compromiso estético con los menos favorecidos fue más fuerte en Europa. En Francia, coincidiendo con el Frente Popular, Jean Renoir mostraba la vida cotidiana y laboral de los trabajadores, incluso utilizando de auténticos como protagonistas de algunos de sus films, como en "La regla del juego" (1939), título que, además de su carga de naturalismo, supuso nuevas aportaciones estéticas. Otros cineastas encuadrados en lo que se llama "realismo poético" fueron Jacques Feyder, Marcel Carné y René Clair.

En 1935, el cine sufre otro cambio trascendental, el color aparece de la mani de la Rouben Mamoulian en la cinta 'La feria de las vanidades'; aunque el clímax artístico se presenta de mejor forma en 'Lo que el viento se llevó' de victor Fleming en el año 1939.

Posteriormente, Walt Disney; otro monstruo de la producción audiovisual emerge con el cine animado con el firme propósito de conquistar a las masas; especialmente al público infantil.

Cuando la Segunda Guerra Mundial estalla, el cine se basa en la propaganda nacionalista, el documental de guerra o el producto escapista. Al terminar la guerra, en una Italia destrozada, aparece el llamado cine "neorrealista", un cine testimonial sobre la realidad del momento, hecho con pocos medios materiales pero con mucha humanidad, preocupado por los problemas del individuo de la calle. Es el caso de "La terra trema" en 1947, de Visconti; suponen una mirada sobre los problemas de subsistencia de los más humildes.

Este tipo de cine creó escuela por todo occidente e, incluso, los norteamericanos se aficionaron a filmar historias fuera de los estudios, aprovechando los escenarios naturales; el "cine negro" -policíaco- fue uno de los géneros que más rodó en las ciudades.

En los EEUU, las películas o bien denotan un tono pesimista donde los personajes reflejan los padecimientos y angustias pasadas a lo largo de la guerra o como consecuencia de ella, o bien se inspiran en la comedia o el musical porque el público, a la vez, necesita "olvidar".

Cuando en 1947 se inicia la "guerra fría" entre Occidente y la URSS, en los EEUU comienza un período de conservadurismo político que llega a afectar a Hollywood, especialmente a los cineastas de izquierda, los cuales son perseguidos, denunciados y condenados. A este período, que se prolongó hasta 1955, se le conoce como "mccarthysmo" o "cacería de brujas". Algunos cineastas, como Chaplin o Welles, optaron por exiliarse.

Los años 50 representan para los norteamericanos una nueva época de bienestar que cambió el estilo de vida, sobre todo en lo que se refiere al ocio. La adquisición de televisores supone un fuerte competidor para el cine. El número de espectadores disminuye y hay que buscar maneras para recuperarlo. La mejor forma será dándole al público lo que la pequeña pantalla no puede: espectacularidad. Es entonces cuando la pantalla crece, se proyecta en color y el sonido se convierte en estéreo.

Se imponen los musicales -como "Cantando bajo la lluvia" (1952), de S.Donen y G.Kelly , y las superproducciones. Hacen aparición nuevos mitos de la pantalla que rompen los esquemas de comportamiento social convencionales, como Marlon Brando, James Dean o Marilyn Monroe. Los jóvenes se convierten en un público potencial importante; es la época del rock.

Obviamente, además de Occidente, en el resto del mundo también ha existido cinematografía, dependiendo la producción -en cada uno de los países mayoritariamente desarrollados- de sus posibilidades económicas y de sus ligámenes coloniales o postcoloniales con la metrópolis europea. Si bien algunos paises de África, como Egipto, o la Índia se han caracterizado por su capacidad de producción, Japón se ha distinguido -además de la calidad de muchos de sus títulos, de la mano de grandes cineastas como Ozu, Mizoguchi y Kurosawa, éste último es el autor de "Los siete samurais" (1954). En todos ellos sorprende la concepción del tiempo cinematográfico y de la planificación.

A finales de los años 50, y siguiendo los pasos de directores innovadores como Rossellini, el cine francés se encontraba estancado por los productos clásicos que salían de sus estudios. Una nueva generación de realizadores aportan oxigeno al cine, bajo la denominación nouvelle vague, un cine igualmente hecho con pocos medios pero con fuerza innovaciones estéticas, como demostró el film de Godard, "À bout de souffle" (1959), que supuso una ruptura con el lenguaje cinematográfico habitual. Otros realizadores como Resnais, Truffaut,Resnais, Chabrol, Malle o Rohmer siguieron los mismos pasos, aunque cada uno desde su estilo personal. Paralelamente aparece el cinéma verité, de tendencia documentalista, que busca captar la vida tal como es.

En otros lugares, a lo lrgo de los años 60 surgirán también nuevos cinemas: en Sucia, Ingmar Bergman asume un cine instrospeccionista donde la psicología de las personas, sus angustias y sus dudas existenciales pasan a ser el referente principal.

Mientras que Antonioni -autor de "La aventura" (1960)- indaga en el comportamiento de los personajes, Fellini se distingue por su cine rico en propuestas fantasiosas y oníricas, siendo una muestra los films "Ocho y medio" en 1963 o "Amarcord" en 1974.

En Gran Bretaña, el free cinema se encuadra dentro de una estética constestataria, critica para con su sociedad puritana y classista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasiona la vida en las grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneoen ellas. Los cineastas más representativos han sido Lindsay Anderson, Tony Richardson o karel Reisz. En la Alemania federal, el 'nuevo cien alemán' generó cineastas como Fleischmann, Kluge, Schlöndorff, Straub, Fassbisnder, Herzog o Wenders. Hay que tener en cuenta en todos ellos la influencia del 'mayo del 68' .

En Latinoamérica, el nuevo cine va de la mano del despertar social del Tercer Mundo: en Brasil, Glaubert Rocha, Pereira Dos Santos Ruy Guerra. En Cuba, Gutiérrez Alea, Octavio Gómez y Humbertoo Solas; y en Argentina, Solanas, Getino, Birri y Torre Nilsson, hacen la alianza entre estética y compromiso social. Este cine, juntamente con el que se hace en el resto de países subdesarrollados de los otros continentes, como consecuencia del proceso descolonizador de los años 60, se cnoce como 'cine del tercer mundo'. En aquellos países europeos bajo regímenes no-democráticos, una seria de cineastas defensores de las libertades aportan prodcutos igualmente creativos. Es el caso de A. Ford, Wajda, Munk, Kawalerowicz, Zanussi o Polanki en Polonia; Meszaros, Gabor, Szabo y Jancso en Hungría; Forman, Menzel, Nemec o Txitylova en Checoslovaquia; Kozintsev o Txujrai en la URSS.

O de Buñuel, desde el exilio; Bardem, Berlanga y Saura en España; en este país se tienen que incluir las nuevas tendencias estéticas que aparecen en Catalunya, con la llamada 'Escola de Barcelona'. En los EEUU, a partir de la década de los 60, la neuva generación de directores se forma en la televisión. Se trata de unos cuantos cineastas inquietos también por hacer un uevo cine narrativamente más independiente que no por el producido tradicionalmente por Hollywood; directores como cassavettes, Lumet, Mulligan, Penn o Nichols. Muchos de ellos operaron desde Nueva York y crearon el cine underground, anticomercial, antihollywood y de vanguardia. Paralelamente, algunos géneros que requieren grandes inversiones, como las súperproducciones o los musicales, ofrecen sus últimas grandes muestras..

A finales de los años 70, y después de unos años de cine espectacular basado en el catastrofismo, quizás como reflejo del retorno del peligro atómico, se impone la recuperación de la superproducción desde el punto de vista de la calidad y de la rentabilidad. Concretamente de la mano de Georges Lucas; autor de "La guerra de las galaxias" (1977) y de Steven Spilberg, realizador de "Encuentros en la tercera fase" (1977). Paralelamente, otros directores apuestan por un cine igualmente comercial pero tratando con un estilo de realización muy personal y creativa, como Ford Coppola, Scorsese, Brian de Palma, Burton, Lynch; entre otros.

Son unos años en los que se cuestiona todo, como en el caso de los fims sobre Indochina o se retorna al pasado con noltalgia; abundan los remakes y el fantástico.

En los años 80, la aparición e introducción del vídeo, y el aumento de los canales televisivos por vías diferentes, hacen que el público vea más cine que nunca, sin salir de casa. Es preciso buscar de nuevo espectacularidad: películas con muchos efectos especiales prueban de atraer a los espectadores hacia la sala oscura. Actores musculosos se convierten en héroes de la pantalla en títulos violentos cuando no reaccionarios. Frente a este cine consumista aparecen autores más preocupados por los temas políticos y, sobre todo, por la injerencia de los EEUU en otras zonas.

Comenzada la década de los 90, la crisis de ideas se apoderó del cine norteamericano; así que decidió inspirarse en los héroes del cómic, aprovechándose de los nuevos procedimientos para la creación de los efectos especiales. También algunas series históricas de televisión seran objeto de versiones para la gran pantalla. Géneros como la comedia clásica, los grandes dramas, los dibujos animados, el fantastic o el western han retornado con fuerza; géneros tradicionales a lso cuales se les ha de sumar la sexualidad como ingrediente importante en diversos films y la aparición de un nuevo grupo de actores jóvenes conocidos como la 'generación X', además e actores infantiles intérpretes de películas familiares. Por otra parte, la comedia española y e resurgimiento del cine latinoamericano han marcado durante estos años la cinematografía hisponohablante.

Algunos países europeos reaccionan contra la enorme presencia comercial del cine norteamericano, mediante leyes que favorezcan a sus propios mercados. En España, sigue aportando autores de renombre como Julio Medem, Fernando León, Alejandro Almenábar, Isabel Coixet, Benito Zambrano e Icía Bolaín.

Llegados a los cien años de cine, el procedimiento basado en la fotoquímica se alía con las nuevas tecnologías electrónicas y de los estudios salen películas donde el ordenador ha tenido mucho que ver en el proceso de obtención o manipulación de las imágenes. Hombres de carne y hueso transformándose en hombres cibernéticos, los grandes saurios paseándose en pleno siglo XX, protagonistas dando la mano a personajes muertos hace décadas. De la mano de la electrónica aparece la realidad virtual.

LAS CIEN MEJORES PELÍCULAS

En el año 1998; el American Film Institute realizó una selección de las 100 mejores películas de la historia; aprovechando la conmemoración de un siglo del invención del cine. Sin lugar a dudas; dentro del ranking se puede observar una fuerte influencia norteamericana.[7]

1. Ciudadano Kane (1941)
2. Casablanca (1942)
3. El padrino (1972)
4. Lo que el viento se llevó (1939)
5. Lawrence de Arabia (1962)
6. El mago de Oz (1939)
7. El graduado (1967)
8. La ley del silencio (1954)
9. La lista de Schindler (1993)
10. Cantando bajo la lluvia (1952)
11. ¡Qué bello es vivir! (1946)
12. El crepúsculo de los dioses (1950)
13. El puente del río Kwai (1957)
14. Con faldas y a lo loco (1959)
15. La guerra de las galaxias (1977)
16. Eva al desnudo (1950)
17. La reina de África (1951)
18. Psocosis (1960)
19. Chinatown (1974)
20. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)
21. Las uvas de la ira (1940)
22. 2001: una odisea en el espacio (1968)
23. El halcón maltés (1941)
24. Toro salvaje (1980)
25. E.T. El extraterrestre (1982)
26. Teléfono rojo (1964)
27. Bonnie and Clyde (1967)
28. Apocaluyse now (1979)
29. Caballero sin espada (1939)
30. El tesoro de la sierra madre 1948)
31. Annie Hall (1977)
32. El padrino parte II (1974)
33. Solo ante el peligro (1952)
34. Matar a un ruiseñor (1962)
35. Sucedió una noche (1934)
36. Cowboy de medianoche (1969)
37. Los mejores años de nuestras vidas (1946)
38. Perdición (1944)
39. Doctor Zhivago (1965)
40. Con la muerte en los talones (1959)
41. West side story (1961)
42. La ventana indiscreta (1954)
43. King Kong (1933)
44. El nacimiento de una nación (1915)
45. Un tranvía llamado deseo (1951)
46. La naranja mecánica (1971)
47. Taxi driver (1976)
48. Tiburón (1975)
49. Blancanieves y los siete enanos (1937)
50. Dos hombres y un destino (1969)
51. Historias de Filadelfia (1940)
52. De aquí a la eternidad (1953)
53. Amadeus (1984)
54. Sin novedad en el frente (1930)
55. Sonrisas y lágrimas (1965)
56. M*A*S*H (1970)
57. El tercer hombre (1949)
58. Fantasía (1940)
59. Rebelde sin causa (1955)
60. En busca del arca perdida (1981)
61. Vértigo (1958)
62. Tootsie (1982)
63. La diligencia (1939)
64. Encuentros en la tercera fase (1977)
65. El silencio de los corderos (1991)
66. Network (un mundo implacable) (1976)
67. El mensajero del miedo (1962)
68. Un americano en París (1951)
69. Raíces profundas (1953)
70. Contra el imperio de la droga (1971)
71. Forrest gump (1994)
72. Ben – Hur (1959)
73. Cumbres borrascosas (1939)
74. La quimera del oro (1925)
75. Bailando con lobos (1990)
76. Luces de ciudad (1931)
77. American graffiti (1973)
78. Rocky (1976)
79. El cazador (1978)
80. Grupo salvaje (1969)
81. Tiempos modernos (1936)
82. Gigante (1956)
83. Platoon (1986)
84. Fargo (1996)
85. Sopa de ganso (1933)
86. Motín a bordo (1935)
87. Frankenstein (1931)
88. Buscado mi destino (1969)
89. Patton (1970)
90. El cantor de jazz (1927)
91. My fair lady (1964)
92. Un ligar en el sol (1951)
93. El apartamento (1960)
94. Uno de los nuestros (1990)
95. Pulp fiction (1994) 96. Centauros del desierto (1956)
97. La fiera de mi niña (1938)
98. Sin perdón (1992)
99. Adivina quién viene esta noche (1967)
100. Yanqui Dandy (1942)

LA TÉCNICA EN EL CINE

La técnica cinematográfica está constituida por imágenes fijas, llamadas fotogramas; que pasadas ante la vista humana a una velocidad rápida; da la ilusión óptica de movimiento; en efecto las imágenes percibidas por la retina no se borran instantáneamente. Entonces, el ojo no percibe más que una línea continúa de fuego cuando se agita un tizón en la oscuridad. Los fotogramas son “dispuestos sobre un soporte de celuloide o película transparente, al pasar a un ritmo determinado, producen la sensación de movimiento, representada en una imagen ampliada. Esta imagen que apreciamos proyectada posee una cualidad inherente a ella, el hecho de ser plana y estar delimitada por un cuadro.”[8]

EL CINE ARTE

No existe oficialmente una fecha en la cual nace el cine arte. Sin embargo, en la década de 1910 empieza a distinguirse el cine estéticamente más rico en expresiones artísticas del cine comercial. Normalmente esta clase de cinematografía es hecha por compañías y cineastas independientes. Aquí prima la historia y el desarrollo de la misma por encima de los deslumbrantes efectos especiales que caracterizan el cine hollywoodense. “El cine arte cuenta con una mayor libertad creativa, mostrando temas controvertidos o dramáticos, resultando a veces difíciles de entender, puesto que pueden tratar acerca de sentimientos, pensamientos o sueños, intentando emular una realidad interior, resultando muy subjetivo. Por estos motivos, el cine arte tiende a ser considerado una identificación utilizada para denominar al cine de autor, debido a que las películas se identifican por el sello que su director pueda imprimir en ellas y es de alguna forma la visión del director”. [9]

LOS MEJORES DIRECTORES DE CINE

De acuerdo, a un Top 10 realizado por la revista ‘Total Films’[10], los mejores directores de la historia del cine son:

1. Alfred Hitchcock

2. Martin Scorsese

3. Steven Spilberg

4. Howard Hawks

5. Francis Ford Coppola

6. Orson Welles

7. Ingmar Bergman

8. Stanley Kubrick

9. Peter Jackson

10. David Fincher

Steven Spilberg

Alfred Hitchcock

ESTRELLAS DE CINE

ACTRICES: Katharine Hepburn, Debra Winger, Jodie Foster, Meryl Streep, Ingrid Bergman, Bette Davis, Hilary Swank, Cecelia Roch, Frances McDormand, Audrey Hepbern, Emma Thompson, Susan Sarandon, Helen Mirren, Grace Kelly, Diane Jeaton, Angelica Huston, Mia Farrow, Jane Fonda, Ava Gardner, Sofia Lorenz, Jennifer Connelly, Vivien Leigh, natalie Portman, Judi Dench, Carmen Maura, Kathy Bates, Julianne Moore, Joan Fontaine, Rita Hayworth, Uma Thurman, Monica Bellucci, Judy Garland, Olivia de Havilland, Shelly Winters, Winino Ryder y Angelina Jolie.

Monica Bellucci

Uma Thurman

ACTORES: Charles Chaplin, Buster Keaton, Humphrey Bogart, Spencer Tracy, Christopher Lee, James Stewar, Charlton Heston, Yul Brynner, Alec Guinness, Gregory Peck, Laurence Olivier, Ian, Mckellen, Gene Hackman, Christopher Walken, Bill Murray, Alan Rickman, Dustin Hoffman, Paul Newman, Tom Hank, Sean Penn, Rusell Crowe, Edward norton, Robert de Niro, Al Pacino, Marlon Brandon, Jack Nicholson, Johnny Depp, Anthony Hopkins y Sean Connery.